笔记_摄影_01
什么是摄影？
从技术上讲，摄影是技术手段记录光的现象。 照相机是其技术发明。以前人们用化学感光材料记录摄影镜头的影像，现在用电子芯片。 除了镜头的影像，小孔成像也是光的现象，物体的影子也是光的现象，所以用针孔相机拍摄，用物影照片成像或者直接用光源照射感光材料成像都算摄影, e.g.,
- 现代艺术家曼·雷 Man Ray通过把实物放在相纸上曝光，利用物体的轮廓影像来创作。
- 日本艺术家杉本博司把放电现象引入他的大型相机，小型闪电的轮廓成为他的影像作品。
从文化角度来说，摄影是记录和传播的手段。 现代人的认知很大程度上由摄影的结果，即照片和视频构成。摄影是光的绘画。照片具有影像的功能，可以承载意识和情感。
从历史角度认识不同的相机
投影镜箱（用于绘画上） 镜头的光学影像落在毛玻璃上，画家用半透明的纸来描绘景物的轮廓。
- 1793年，法国 约瑟夫·尼塞福尔·尼埃普斯（Joseph Nicéphore Niépce）开始感光材料实验。他实验把沥青涂在玻璃板和金属板上，能够实现感光。1825年，他成功地利用可以感光的纸把铜版画上的影像制作成了一付图片。
- 1829年路易·达盖尔（Louis-Jacques-Mandé Daguerre）和两人开始了正式合作，共同研究摄影术。1833年7月5日，涅普斯意外死亡。
1837年达盖尔找到定影方法，1839年法国科学与艺术学院展示路易·达盖尔的银版摄影法。这标志着摄影术的诞生。
同时期
- 英国 威廉·亨利·福克斯·塔尔博特（Henry Fox Talbot）1839年将自己的“负片-正片”摄影法提交给了英国皇家科学院
- 法国 伊波利特·贝雅尔（Hippolyte Bayard）1839年在相纸上制造出正像
- 英国 塔尔·博特（Henry Fox Talbot）在1841年发表卡罗法（负转正）
- etc.
早期拍照使用单张底片——大画幅 可以通过移轴来调整变形和选择聚焦平面，时至今日仍在如工业摄影、科技摄影、艺术摄影等领域使用
胶片时代
- 光学结构相机分类
- 机背取景相机（拍摄时影像倒立）
- 双镜头反光相机（上下正立，左右反向）-俯视取景
- 单镜头反光相机-用一只镜头完成取景和拍摄-平视取景
- 旁轴相机（取景画面不是镜头的影像，而是“反望远”结构的光学系统，黄斑聚焦）
- 胶片规格相机分类
- 大画幅——4×5英寸以上，以单张形式使用的胶片（相机以胶片的规格来命名，如4×5相机、5×7相机、8×10相机 etc.）
- 中画幅——120胶卷，宽度60mm、长度820mm左右（中画幅相机，宽度一样，长度可以变化。 e.g., 玛米亚645、哈苏6×6、67、68、69）
- 135画幅——最为普及的胶卷规格，最初是1913由德国 奥斯卡·巴纳克（Oscar·Barnack）从35mm的电影胶片裁切所得，35mm指的是胶卷的高度为35mm，由于上下两端有齿孔，所以有效高度为24mm，这种胶片的单幅图像感光面积为24mm×36mm。135的那个1是指有别于可重复使用暗盒的一次性暗盒，135胶卷的完整定义则为“采用一次性暗盒的35mm胶片”。
- 半格相机-成像画幅只有正常的一半，每个胶卷72张
- 数码时代
- 中画幅
- 全画幅-135画幅 24mm×36mm
- APS画幅，比全画幅小，各厂家大小不一（1/1.5或1/1.3）
照片的视觉特性
- 观看尺寸 不同尺寸有不同的观看体验，注意清晰度和尺寸的关系
- 明暗 照片在视觉上的亮度体验。显示屏上呈现发光的亮度，在相纸上呈现反光的亮度。
- 灰度 黑白影像在亮度上的变化。
- 影调 照片上的亮度变化特征，整体的明暗变化以及局部的明暗变化。
- 反差 照片中最亮与最暗部分的亮度差别，也可指某个局部的亮度差别。
- 色彩 (原色、互补色、加色法、减色法、色相、明度、纯度、色彩构成)
- 色调 照片的色彩倾向
- 颗粒 胶片时代，照片放大后会有不规则的颗粒感，由底片的金属银颗粒造成。细腻-沙粒般的雕塑感
- 具象信息 照片中可以用概念包含的内容
- 视觉元素 可辨识的视觉信息抽象为形态
- 构成 视觉元素的排列组合方式（摄影过程就是对三维空间的物体形态，进行二维平面的视觉构成）
- 影像 一个二维平面载体上的视觉元素构成影像——平面艺术作品的外在“形式”摄影的意义
描述照片的目的是：
1，认识一张照片的技术特性；2，分析影像构成；3，阅读影像，感受影像。 要在摄影实践中认识明暗、灰度、影调、反差、色彩、色调、颗粒，这些特性与摄影的技术应用相关联。
- 明暗，与曝光相关，也与后期相关。
- 灰度，与景物本身的亮度相关，与光线条件相关，与后期调整相关。
- 影调，与景物的亮度变化相关，与光线条件相关，与后期调整相关。
- 反差，与景物整体亮度反差和局部亮度反差相关，与光线条件相关，与后期调整相关。
- 色彩，与景物本身色彩相关，与光源色温和白平衡设置相关，与构图相关（色彩构成），与后期调整相关。
- 色调，与景物本身色彩相关，与光源色温和白平衡设置相关，与后期调整相关。
- 颗粒，与胶片特性和冲洗条件相关。从照片中识别以上特性，有助于把想象的照片落实到技术控制上，也可以通过分析别人的作品了解他的技术控制方法。
- 具象信息，是阅读照片的基础，大多数应用照片（商业摄影、新闻摄影、科技摄影）是以呈现具象信息为主的。通过具象信息可以了解到：这是哪、这是什么、这发生了什么、这个东西什么样子。
- 视觉元素，是物体的形态、色彩，它是对实物的抽象。
- 构成，是视觉元素的排列组合方式，通过构成形成影像。
- 影像，是照片在形式上呈现的样子，影像是对现实形态的重新塑造。影像就是照片总体视觉形式，这个视觉形式有它的独立性，可以引发情感和抽象思维。
以上视觉特性由抽象思维获得。没有经过训练的人，影像是潜移默化起作用的，因为它可以被人的本能感知。学摄影的人，应该意识到视觉规律，发现形态，学会构成影像。
感光度与曝光的本质
- 感光度ISO 底片对于光的敏感程度
- 曝光量 每一次拍摄，感光芯片接收的光的能量（和亮度、时间向光）
- 曝光量=影像亮度（光圈）×照射时间（快门）
- 互易率 EV（Exposure Values）
| EV值表 | |||
|---|---|---|---|
| 光圈值F | EV | 快门时间1/S | EV |
| 1 | 0 | 1 | 0 |
| 1.4 | 1 | 2 | 1 |
| 2 | 2 | 4 | 2 |
| 2.8 | 3 | 8 | 3 |
| 4 | 4 | 15 | 4 |
| 5.6 | 5 | 30 | 5 |
| 8 | 6 | 60 | 6 |
| 11 | 7 | 125 | 7 |
| 16 | 8 | 250 | 8 |
| 22 | 9 | 500 | 9 |
| 32 | 10 | 1000 | 10 |
| 45 | 11 | 2000 | 11 |
| 64 | 12 | 4000 | 12 |
| 90 | 13 | 8000 | 13 |
| 128 | 14 | 16000 | 14 |
EV值的初始值为0: iso100, f/1, 1s
光圈EV值表（ISO100）—— Av 值
| f/1 | f/1.4 | f/2 | f/2.8 | f/4 | f/5.6 | f/8 | f/11 | f/16 | f/22 | f/32 | f/45 | f/64 |
| 0 | 1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | 8 | 9 | 10 | 11 | 12 |
快门速度EV值表（ISO100）—— Tv 值
| 1 | 1/2 | 1/4 | 1/8 | 1/15 | 1/30 | 1/60 | 1/125 | 1/250 | 1/500 | 1/1000 | 1/2000 | 1/4000 |
| 0 | 1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | 8 | 9 | 10 | 11 | 12 |
曝光量EV值 = Av+Tv 互易率是控制曝光的重要原理，可以在拍照片的时候，在保证曝光量不变的情况下，选择不同的光圈和快门。
测光
- 曝光的标准 中灰：反光率18%的灰色（因为我们看到的大部分事物的平均亮度为中灰，以这个标准曝光可以最大概率地记录下景物的亮度信息）
- 数码相机测光类型：点测光，重点测光，平均测光（评价测光，矩阵测光）
- 曝光标尺
直方图
 |
摄影史——摘自《世界艺术史》
摄影术发明者的动机似乎与当时风景画家的“习作”具有相似的诉求：他们想要捕捉单一的时空点，作为视觉外貌的记录。两者都是如此深受浪漫主义理念的影响。塔尔伯仍记得他的发明动机是如何降临于他的。他在1833年度蜜月时，曾试着速写下科莫湖畔的风景 (Lake Como,意大利的著名景点），他用的是一种小道具的协助，能使艺术家透过棱镜观看他的题材和画纸。但受限于缺乏工匠的专业训练，他放弃了，然而他仍记得他是如何透过摄影暗箱 (camera obscura） 看见 “当暗箱棱镜投影在纸上时，形成一种无与伦比的自然绘画——真是美丽的图画，是片刻的创造，彷佛注定会瞬间消逝”。而他想到：“如果能使这些自然影像永远印记下来、固定在纸上的话，那该会多么迷人呀”
虽然这种欲望是出于美学性的，有些类似于今日直接再现艺术家笔触的石版印刷发展，但它的方式则是科学、视觉和化学的。塔尔伯所指的“摄影暗箱’是从相当早期的观察推衍而出的16世纪发明——藉由通过细小洞孔的光线，将物件影像投射在暗房墙面上。这种设计后来发展成带有滤镜、镜片和底面玻璃萤幕的箱子，以前的艺术家偶尔会使用它，维米尔可能包括在内，卡那列托则肯定用过，但他们只将它当作描绘城市风光的初步辅助。而早在18世纪时，人们已发现有些化学品曝光后会变暗；但直到19世纪时才有人运用在影像探索的记录上，其中第一位获得部分成功的是伟格伍德 (Thomas Wedgwood,1771—1805)，他是斯塔福郡的陶器制造商之子，对装饰品的制作有浓厚兴趣。法国的尼叶普斯 (Nicephore Niepce,1765-1833） 主要关注于石版印刷及其他复制技术，他在1826至1827年间成功地在摄影暗箱中将影像定型在金属及玻璃版上。虽然这个成果不甚理想，但达盖尔却立即发现过程中的潜能，并获悉其中的奥秘。达盖尔是一名受过训练的艺术家，他对摄影暗箱非常熟悉，并把它当作绘制大型幻觉透视图（dioramas，有舞台灯效果的全景图）时的辅助工具，在巴黎获得极大的成功。他继续发展这种技术并于1837年成功地用镀银的铜版底片拍下一幅巴黎街景，这是最早的银版相片 (daguerrcotype)——两年后他获得这个名称的专利（见下图）。于此同时，塔尔伯在英国进行独立的实验，而在1839年便成功实现了他的希望，他以完全不同的两阶段过程将自然投射的影像加以定型，他的相机会先在透明纸上记录出尚待定型的底片影像，接着在其上叠放另一张感光纸，再次曝光后即产生正像的照片。
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（达盖尔《巴黎 神殿大道》约1838年，银版相片，慕尼黑巴耶利国立博物馆）
达盖尔的方法很快获得技术上的进步，在二十年左右的时间内席卷了欧洲，而美国更回应以肖像照的遽增。美国的第一间银版照相馆在1840年开幕，而到1853年时单在纽约市便有86间。在1854至55年的十二个月内，在麻萨诸塞州共拍摄了超过四十万张的银版肖像照。就在一瞬之间，人像摄影遍及到前所未有的广大人口——只要能付得起两元美金的人都能拥有，最后更降价为12美先，这不过是任何画家索价的极少部份。新奇感或许是银版照相法成功的部份原因，但无疑地，人们都希望被描绘得维妙维肖，这种心态正是现代科技惊奇下的产物之一，同时也反映出一个逐渐物质化的文化外貌。
要求拍照者绝大多数属于中产阶级。不过其中也包括一些知名人物，例如摆脱奴隶身份的道格拉斯 (Frederick Douglas），在他竞选新英格兰反奴协会 (New England Anti-Slavery Society）的主席时，他所拍摄的银版肖像照传达出他的坚毅心智，使他得以成为非裔美人的领袖一事实上，这桢相片比任何一幅缓和其特征的画像来得出色，正如霍桑 (Nathaniel Hawthorne）在1851年所谈到的，在银版照相中“明亮单纯的天堂阳光”能引出“真实的私密性格，而这是任何没有一位画家都不会冒险描绘的”。然而，相片的真实性并非总是有益的。在艺术家与画像者之间形成了一道有意无意的共谋，因此对经济能力足够的人而言，绘面肖像并未失去它的吸引力。它们也为摄影师们提供构图的范本。银版照相中的人物通常姿势僵硬、表情严肃，这或许是因为在曝光过程中需要保持完全静止不动（初期摄影需在亮光下停留数分钟），也可能由于人们希望能拥有世代相传的尊严形象。这些相片镶上用以保护表面的玻璃，许多更裱上精细肖像画般的相框。
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（佚名 《道格拉斯》1847年，银板相片，华盛顿特区史密斯森机构国立肖像美术馆）
银版相片逐渐被视为绘画之外的另一选择。它们不仅提供肖像照，还包括建筑外观和整个城市的全景照一这才是发明者本身的出发点。每一张都是独一无二的。另一方面，塔尔伯的方法却能从单一底片中冲印出多张相片一近似于石版印刷的版画。当他出版《自然之笔》(the Pencil of Nature，共分六期，1844-6） 时，他特别指出在每份刊物的24张插图中，每幅都是底片所冲印出的相片，不需藉由艺术家之手，而是单靠光线的作用。这表示他的发明极有可能成为艺术表现的新方法。然而，他对题材的选择相当受保守观念的影响，只选择传统上适合表现的主题一或是“如画”一词最简单的意义。其中一额《敞开的门》 清楚地显示〝艺术家之手”•事实上曾运作过，他扶起扫昂、吊起墙上的油灯，等待阳光如他所愿地照亮整个场景（见下图）。它就像任何一幅静物画一般经过细心构图，而其中自然光线与提灯的对照，也使画面不乏言外之意的喻表。他在评论这幅摄影时写道：“我们在荷兰画派中已得到充分的认定，能够将日常熟悉事件的景物作为再现的题材。画家的眼睛常会捕捉到一般人视若无睹之处。一道不经意的阳光、或是半路射的一片阴影，一株年老枯萎的橡树，或是一块覆满青荅的石头，这些都可能唤起一连串的思想，感情，以及图画的想象。他意味深长地将他的底片称作珂罗版 （calotype）——意即美丽影像：这是古典希腊文的复合字。
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（塔尔伯《敞开的门》1843年，珂罗底片冲印相片。塔尔伯收藏，伦敦科学博物馆）
塔尔伯的方法很快获得采用，许多人愿意付他一笔酬金以得到使用权，其中最著名的是亚当森(Robert Adamson, 1821-48)，他和苏格兰画家席尔 (Octavius Hill,1802-70） 共同合作了四年之久，在爱丁堡境内及四周拍摄大量的作品他们合夥关系的开始，是因为席尔接获了一幅集体肖像的委托，该团体是1843年成立苏格兰自由教会的会议成员，他为了避免替457名男女画像的工作（在这类作品中通常都是如此），决定改由他们的相片着手。他们也从日常生活中拍摄许多景象，有时整个场景很明显是刻意摆出的，但偶尔也会有自然发生的场景，就像《高地卫兵》所呈现的（见下图）。他们展出个别的相片，并像蚀刻及雕版版画一般由国商出售。但由于粗糙的表面及相纸的参差品质，珂罗版制作的照片并不像银版相片那样清晰明确，“这就是它最真实之处”，席尔说道，它们“看来就像人类的不完美作品一而不是上帝逐渐消失的完美造化”。其他的摄影师在有所感触的风景上也大量利用这个方法。虽然它在1850年代时被玻璃底片的引进所取代，因为后者能产生更加鲜明的轮廓，但有些摄影师仍偏爱寻求某种朦胧效果，他们基本上将自己的摄影视为一种艺术品，而不只是视觉记录．
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（席尔与亚当森 《高地卫兵》 约1844-5年 珂罗底片冲洗之盐版纸相片，巴斯皇家摄影协会）
摄影是否应该被视作艺术？
摄影是种——或是可能成为——艺术表现的新媒材，这种想法并非顺利无阻的。
1859年，当诗人兼重要艺评家波德菜尔（Charles Baudelaire）在为“现代生活”艺术请命时，他便发动了一波攻击。他写道，从发明的那一刻开始，“我们污浊的社会便推挤着，像自恋的纳西瑟斯化身人形，年着在金属碎片上凝视自己无足轻重的影像”。他特别义正严辞地抗议那些人物摄影，他们的穿着和姿势活像历史题材的绘画。〞如果摄影获准在某些功能上弥补艺术的不足，那么不久也会将艺术一并排除或毁坏”，他抗议道。“妇果摄影获准侵人无形和想象的国度、侵人那些单以陶冶灵魂为贵的事物，那我们实在太可悲了！〞摄影确实回应了浪漫主义的其中一项要求——即对视觉外貌的直接记录，因此塔尔伯同样将它们视为自然再现的产物——但摄影中明显的自动作用意味着它无法表达一名艺术家的独特感性，即柯罗所谓“禁绕内心的情感’。例如，我们几乎不太可能感受或看见艺术家在处理过程中的任何“笔触”印记。
打从一开始，摄影与绘画之间的关系便相当复杂。正如我们所见，无论是否出于自觉，早期摄影所选择的题材和视点皆受绘画中普遍欣赏的种类所决定。摄影对绘画这一方面的影响则较难追湖。在其他画家之中，德拉克洛瓦虽根据裸体人物的相片绘图，然而这些人通常是抱着学院人体画模特儿的心态摆姿势-他们通常又是模仿古典雕像的动作！更重要的是，摄影也提供了比早期艺术品更精确的记录，特别是在建筑方面——对历史的兴趣占据了19世纪的思潮，建筑便是这种情况 下的产物与贡献。
直到20世纪中期，照片才偶尔被悬挂于官方艺术展览中的石版作品之间。而后，摄影作品便被排除在外，仅在自己专业的展览中出现。大约就在同一时间，有自觉又具艺术天赋的摄影师开始挑选一些近似于画家们选择的主题，致力于静物影像与风景的柔焦拍摄。有时这些照片极易被误解为绘画辅助用的照片。例如，
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由美国摄影师葛楚德•卡塞毕耶 (Gertrude Kasebier, 1851至1934年） 所拍摄的《在众女之间赞仰艺术》(Blessed Art Thou Among Women)，就与数幅名画并列于它那个时期最令人赞叹的众影像之间。摄影技术方面的开发大都仰仗那些专事街景拍摄的新闻摄影师们，这些如今已被推崇为人们所拍摄的最好的照片之一，在当时它们不过被视作单纯的记录照片，自然称不上什么艺术品。对独特的艺术品的狂热崇拜致使一此摄影师拒绝由单张底片做无数冲印的可能。他们采取限量发行的方式，并在每一张晒印出的照片上编号与签名，此外还借助个人在暗房内的操作技巧，以与他人作品稍有区别。尽管彩色摄影的技术至1940年代已经完善，但大多数的摄影师继续偏爱着黑白摄影。比起一个半世纪的摄影史所展现的，在技术与艺术之间，再没有出现如此不同步、甚至时常对立发展的显著例子。虽然有如此多摄影师所留下的伟大成就，但摄影在最近才被普遍认可为——一种即使用最简单设备，也能做独特发挥的艺术表现媒介。